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Le regard féminin à l’honneur chez Pigment !
16 mars 2023 – 15 avril 2023
Vernissage le jeudi 16 mars, de 18h30 à 21h30
Visible du mercredi au dimanche, de 11h à 19h
- Carla Tarruella – Cauce
- Marta Fàbregas – Immaculadas
- Exposition Collective – Journal Intime
Dans le cadre de la Journée internationale des droits des femmes, Pigment Paris met à l’honneur le travail d’artistes femmes en revêtant les murs de la galerie d’une sélection d’œuvres entièrement dédiée à la création féminine. Venez découvrir douze artistes dans le cadre de deux expositions individuelles et une exposition collective, articulées autour de la matière, de la transphotographie et de l’intimité.
Du 16 mars au 15 avril 2023, PIGMENT PARIS présente trois expositions consacrées exclusivement aux artistes femmes sous le commissariat de Lorenzo Barone. Trois expositions laissant libre cours aux artistes de manipuler l’architecture du lieu, ayant pour ambition de partager leur perspective d’affirmation quant à leur place dans l’art contemporain.
Le parcours de l’exposition, réparti sur les 280 m2 de la galerie, se compose d’une sélection de peintures et d’installations placées dans un contexte in situ caractérisé par de forts traits distinctifs chez les artistes.
La matière, l’engagement socio-politique et l’intimité sont les éléments clés du projet, qui propose trois lectures différentes de la relation entre la peinture, l’espace d’exposition et l’artiste.
Brisant métaphoriquement et concrètement les frontières imposées par les éléments structurels de la peinture et de l’installation, les oeuvres des douze artistes, qui s’expriment à travers la peinture monochrome, le collage et divers autres médiums, habitent physiquement l’espace PIGMENT dans une disposition sans interruption.
L’exposition conçue pour PIGMENT s’articule en trois moments étroitement liés entre eux et consiste en une succession d’oeuvres ayant les mêmes dénominateurs, dans lesquelles l’environnement est façonné et modelé par les artistes pour permettre aux visiteurs/publique de percevoir l’ensemble du thème à partir de perspectives inédites et intimes.
Au rez-de-chaussée, les oeuvres interagissent avec l’espace d’exposition grâce à une utilisation spectaculaire et conceptuelle de pigments et de résine. L’artiste espagnole Carla Tarruella présente l’exposition Cauce, qui en espagnol exprime le concept de causalité, dont le titre donne un sens aux grandes peintures qui ponctuent l’espace d’exposition de manière rythmique. La matière, ainsi définie par la solubilité du pigment, le glissant du méthacrylate, est le point de départ de cette première partie d’expositions. L’exposition est un récit de ce que l’artiste vit avant tout avec son corps. Elle raconte la période post-pandémique, reprenant les caractéristiques de notre société, principalement l’immobilité et la somnolence. Les tableaux montrent donc à l’observateur l’importance de la création, l’essence de l’être, l’importance de construire dans l’optique d’un mouvement perpétuel. Inspirée par le concept de QI (Chi), en chinois, » flux d’énergie vitale « , Carla Tarruella verse de la résine sur le support en se basant sur l’évaporation et l’irrégularité. La combinaison du mouvement, du temps et de la gravité fait que l’oeuvre se pare de caractères délicats et dissemblables, invitant l’observateur à fixer son essence personnelle, à participer à un dialogue intime et à compléter l’oeuvre.
L’exposition se poursuit au sous-sol sous la forme « d’Immaculadas ». Marta Fàbregas, une artiste catalane, expose trois séries d’oeuvres marquées par un engagement socio-politique : “Colonizadas”, “Immaculadas” et “Satori”. L’artiste raconte des histoires de femmes anonymes à travers la forme particulière du collage, en essayant de rendre à ces femmes oubliées leur dignité. Marta Fàbregas ajoute ensuite des éléments qui contribuent à les mettre en valeur, en insérant de la couleur et du textile sur du papier aquarelle, pour compenser ce que les générations passées d’hommes coloniaux leur ont pris, en les objectifiant et en les essentialisant. Certains clichés représentent également des prostituées, photographiées à l’époque comme outil publicitaire pour vendre diverses marchandises. L’artiste, en leur rendant parole et dignité, les immortalise comme désormais immaculées. L’artiste fait également référence au concept japonais de « Satori », “l’importance de la connaissance”, nous rappelant de creuser en profondeur pour une compréhension plus significative et féministe, menant à la possibilité de trouver sa propre voix et de lutter pour ses droits.
Le troisième et dernier moment clôture le parcours expositif avec une exposition collective, librement inspirée d’un moment d’intimité absolue, suggérant un rappel direct de la jeunesse et donc une vision libre de tout biais cognitif. Au sous-sol, c’est l’espace réel qui prévaut sur les oeuvres et dicte leur positionnement. L’objet-peinture est en fait un journal intime, un regard sur le monde intérieur des artistes. Le lecteur est ainsi autorisé à aller au-delà du tableau, à briser les frontières des oeuvres, à explorer l’espace intime sans aucune limite et à étendre ses connaissances, en savourant un goût d’infini.